@ESCULTURA@ Anita.S.Castellanos

René Berger Ana Sánchez Castellanos

Aproximación al color (Fragmento págs 8-27) Pintura I B

El conocimiento de la pintura

Ed. Noguer S.A.

Barcelona Madrid

Resumen:

Nuestro primer contacto con el color se da en la infancia, para los niños los colores son símbolo de fiesta. Para los adultos pasan a ser funcionales, aunque conservan sus afinidades con su disposición interior.

Científicamente hay diversas perspectivas ante el color:

• Desde Aristóteles a Goethe no ven problema en la definición de los colores fundamentales, dividen el espectro solar en 7 colores, y los tonos en tres calidades Azul Amarillo y Rojo
• Para Newton Los colores espectrales se miden en longitudes de onda que van desde 380mµ (violeta) hasta 800mµ (rojo) por debajo las ondas son fenómenos eléctricos y por encima calóricos. El numero de colores separables está entre 130 y 200
• Bohr y Einstein nos dicen que las radiaciones de las ondas viajan a 299774Km/s, están compuestas por fotones, y “su energía es mayor cuanto mas pequeña es la longitud de la onda”
• Langevin dice que un fotón rojo y otro violeta son el mismo con dos energías diferentes.

Cuando los físicos estudian los colores los objetivan considerándolos en estado puro y eliminando las intervenciones externas (materia, demás colores y observador).

Sin embargo en Pintura:

· No se usan colores inmateriales, su origen puede ser vegetal animal mineral o artificial. Dependen de la técnica (no es lo mismo una vidriera que un lienzo) y del aglutinante (la acuarela para transparencias y el óleo de manera cubriente).

· Al igual que en la naturaleza no encontramos los colores aislados en pintura siempre se toma conciencia de los colores asociados unos a otros.

· La intervención del espectador es esencial en pintura. Al igual que la sensibilidad del artista hacia los colores que utiliza.

· En pintura por el contrario que en la fotografía los colores no se preocupan de reproducir la realidad tal como es, sino como el artista la ve o quiere representarla.

Existen dos perspectivas principales en pintura en cuanto a la reproducción de los colores:

1) Perspectiva Cromática: los colores están en igual grado de saturación.

2) Perspectiva Valorista: Los colores se usan en menor o mayor grado de intensidad luminosa.

La visión humana también tiene esta doble conducta:

1) Visión Diurna: El ojo es sensible a todos los colores y percibe el detalle de los objetos. Empuja los objetos hacia delante por manchas coloreadas y definidas. Y el espacio tiende a acortarse.

2) Visión Crepuscular: El ojo se hace más sensible a las diferencias de alumbrado percibiendo mejor la situación espacial de los objetos que los detalles, escalonando los objetos en profundidad según los grados de iluminación. Y el espacio tiende a profundizarse.

También se pueden establecer paralelismos entre las teorías científicas y pictóricas en cuanto a la relación de los colores entre ellos:

• Fenómeno de Irradiación: Los colores claros ganan intensidad sobre un fondo oscuro.

En pintura los colores actúan sobre el espacio y las formas modificándolas según las relaciones que haya entre ellos.

• Jung dice que existen tres clases de receptores para que los humanos perciban los colores, y estos son desigualmente sensibles a las radiaciones y están unidos al cerebro por fibras diferentes.

En pintura se tiende a ordenar los colores en acordes de 2 o 3 para dar sensación de conjunto.

• Chevreul dice que “los colores yuxtapuestos en el mismo tono aparecen lo mas diferentes posibles como colores”. La yuxtaposición de dos complementarios produce una exaltación a la vista.

En pintura la composición de los colores depende de nuestra sensibilidad hacia ellos. Los colores deben formar un conjunto con la superficie, ya que no se puede prescindir del espacio y los medios que se utilizan para pintar.

• Se pueden dividir los colores en dos gamas:

Colores fríos: Verde Azul Violeta, estos tienden a retroceder espacialmente.

Colores calidos: Amarillo Naranja Rojo, que tienden a avanzar espacialmente.

Comentario:

Este texto reflexiona sobre las relaciones entre ciencia y pintura, y creo que el conocimiento de esos mecanismos científicos puede ser provechosos para su aplicación en nuestras obras. Como en ejemplo que se puso en clase del cuadro de la bandera estadounidense. Además con las nuevas tecnologías se puede jugar con colores luz, que no dependan de un espacio pictórico concreto, sino que se puedan proyectar sobre distintos espacios, creando distintas sensaciones con un solo color luz.

También me pareció muy curioso que coincidan los tipos de visión con las perspectivas pictóricas. Es algo sobre lo que nunca había reflexionado.

En resumen creo que para la aplicación de los colores en pintura es un buen refuerzo el conocer como se comportan estos desde una perspectiva científica para poder manipularlos con un conocimiento mayor desde la perspectiva pictórica.

Albert Rafols Casamada Ana Sánchez Castellanos

Sobre pintura (Fragmento pags17-30) Pintura I B

La isla de los ratones

Santander 1985

Resumen:

Entendemos como Arte dos posturas:

• El arte es la expresión de una personalidad de manera gratuita, sin busca una utilidad inmediata o material.
• El arte son las cosas que se hacen “bien hechas”. Expresan de una manera coherente con el lenguaje, la idea o sentimiento que querían objetivar. Están realizadas con calidad (entendida como adecuación del material a la idea y el tratamiento de este). “A veces forzando materiales se pueden hacer grandes descubrimientos”.

La pintura es una mas de las formas en que se manifiesta el arte. Y participa de estas dos posiciones.

Factores que afectan a la pintura:

• Expresión de la personalidad del artista (a niveles plástico, simbólico, emotivo y técnico)
• Expresión de su momento o época.
• Espíritu crítico del artista. A través del estudio de los grandes artistas que le preceden para valorar críticamente el grado de novedad que la hace interesante.
• Idea
• Realización material
• Concepto
• Deseo, impulso o necesidad interior del artista.
• Azar, casualidad o espontaneidad.

Elementos básicos de la pintura:

• Color: En la evolución pictórica el elemento primordial es el color, que permite establecer unos contrastes sobre la superficie que definen la forma.
• Textura: Es la diferente calidad de la superficie obtenida mediante la materia pictórica. Pueden ser T. Visuales o T. Táctiles.
• Trazo: Desde la línea a la pincelada o el goteo, con su intencionalidad intrínseca.

“El pintor ha de saber conjugar espontaneidad y reflexión, impulso y oficio, fuerza y delicadeza, imaginación y rigor, conocimiento y sorpresa”.

Valoración / Comentario crítico:

En cuanto al concepto de arte creo que para mi, personalmente es un mezcla de las dos posturas, son las cosa bien hechas, arte de amar, de cocinar o en nuestro caso de pintar y esculpir, expresando la personalidad del artista, pero puede ser o bien sin buscar una utilidad material, por ejemplo un Mandala de flores en el suelo, o buscándola, como un banco de piedra de un parque que es cómodo y además escultóricamente aparente.

En los factores que afectan a la pintura yo añadiría factores como:

• “Estrato” social del artista: (nivel económico, ideología…)

Que puede condicionar su temática, como haber vivido un guerra desde un bando u otro, o la técnica utilizada, por ejemplo es mas barato el carboncillo y el papel que un lienzo y los oleos.

• Mercado:

En tanto que el arte es objeto de mercado, muchas veces he visto que este factor afecta a la pintura, y aunque no creo que esta práctica de arte para el mercado sea correcta es cierto que existe, el mismo Picasso dijo “que había hecho autenticas mierdas” y mucha gente quiere un retrato o la copia de una foto en lienzo.

Y tengo una duda, ¿la forma no sería un elemento de la pintura?

Betty Edwards Ana Sánchez Castellanos

Nuevo aprender a dibujar con el lado derecho del cerebro Dibujo I B

Capítulos 9 Mirada de frente retrato fácil y 10 El valor de las luces y sombra lógicas

Ed. Urano Barcelona 2000

Resumen:

En estos capítulos nos dan unas directrices para realizar retratos con el modo derecho de manera que estos estarán mejor proporcionados. En el modo izquierdo tendemos a agrandar los rasgos o zonas de mas interés y a empequeñecer las pequeñas o menos importantes.

Para hacer retratos se utilizan 3 posturas básicas:

· De perfil: Solo se ve un lado del rostro, la mitad.

· De frente: Se ven ambos lados del rostro, las dos mitades.

· Medio perfil o ¾: Se ve las tres cuartas partes del rostro, la mitad y un cuarto de la otra mitad.

Retrato de perfil:

· La línea de los ojos está en la mitad de la cabeza, si el modelo tiene mucho pelo la mitad superior será mas grande que la inferior.

· La distancia entre el ojo y la oreja es la misma que ente la línea de los ojos y la barbilla.

· La base del cuello está a la altura del final del lóbulo y por encima de la boca.

· La situación de la nariz y la boca puede variar en cada modelo.

Retrato de frente:

· La distancia entre los ojos es de un ojo, recomienda dividir el eje de los ojos en 5 partes iguales.

· La unión de los labios suele estar a un tercio entre la nariz y la barbilla.

· Verticalmente desde los bordes interiores de los ojos se encuentran las aletas de la nariz.

· Verticalmente desde el centro de las pupilas se encuentran las comisuras de los labios.

Retrato de medio perfil o ¾:

· El eje central pasa por el centro del puente de la nariz y el centro del labio superior, atravesando por la mitad la forma de la nariz

· La línea del nivel de los ojos forma ángulo recto con el eje central.

· Para dibujar el ojo mas alejado mirar las formas de alrededor (la de encima, las de los lados, la del blanco del ojo, y la de abajo).

· La anchura del ojo mas cercano suele ser igual a la distancia que hay entre este ojo y el contorno de la nariz.

· Se deben comprobar las relaciones entre el vértice interno del ojo y la aleta de la nariz, y la comisura de la boca con el ojo.

· Del nivel de los ojos a la barbilla hay lo mismo que de la parte interior del ojo al extremo posterior de la oreja.

La “lógica de la luz”:

• La luz incide sobre las formas creando claros y sombras de manera lógica, en la modalidad D la usamos para percibir la tridimensionalidad.
• Hay que aprender a ver las diferencias de matices o tonos claros y oscuros, que reciben el nombre de valores. Los claros son de valor elevado y los oscuros de valor bajo.
• La modalidad D es capaz de extrapolar de una información dada las relaciones que juntas forman un todo percibido. Se deben dibujar manchas sin pensar en lo que se esta dibujando, solo en la forma de la mancha y el tono que tiene.

En resumen:

“La percepción de contornos (líneas) lleva a la percepción de las formas (espacios en negativo y formas en positivo) dibujadas en la proporción y perspectivas correctas (observación estimativa) y estas habilidades conducen a la percepción de los valores (lógica de la luz) lo que a su vez lleva a percibir los colores como valores y finalmente a la pintura.”

Opinión personal:

Creo que la lectura de estos capítulos me ha ayudado a mejorar mi forma de enfrentarme a un retrato. Los primeros retratos los realicé antes de leer los apuntes, en los demás creo que se ve una ligera mejora (teniendo en cuenta que el carboncillo me cuesta muchísimo). La parte que insiste en que se debe dibujar lo que se ve y no lo que sabemos que está me ha dado otra forma de enfrentarme a las luces y las sombras.

Ana Sanchez Castellanos

Índice

· Índice 

· Propuesta 

· Bocetos Iniciales 

· Boceto Definitivo

· Dibujo Acotado y Modulo en Cartulina 

· Composiciones de 2x2 Módulos 

· Composiciones de 5x5 Módulos 

· Molde de Escayola para positivar en Arcilla 

· Molde de Silicona para positivar en Escayola 

· Composición de módulos de Arcilla 

· Composición de módulos de Escayola

· Opinión Personal 

PROPUESTA

La propuesta inicial fue crear un modulo a través de líneas curvas, sobre papel en formato cuadrado (el inscrito en un A6) y mediante dobleces para crear volúmenes curvos.

Un módulo es la célula espacial más simple, se suele emplear en repetición o seriación para cubrir superficies, pero también para muchas otras cosas como por ejemplo las farolas que están colocando en la Gran Vía la lámpara es un cubo formado por cuatro módulos, tres positivos y uno negativo, es una aplicación volumétrica y funcional de un módulo volumétrico (cubo).

Positivo eje

Positivo repetición

Negativo repetición

Positivo eje

BOCETOS INICIALES: La propuesta de este trabajo es crear un modulo sobre el cuadrado que se inscribe en un A6 utilizando líneas curvas dobladas.

Positivo Negativo

Positivo Negativo

Hipermódulo Positivo Hipermódulo Negativo

Positivo Negativo

Positivo Negativo

Hipermódulo

Positivo Negativo

BOCETO DEFINITIVO: He escogido este módulo por recodarme a una figura orgánica de un pez. Además, me gusta el resultado que crea la incidencia de la luz sobre estas formas.

Positivo

Negativo

DIBUJO ACOTADO Y MODULO EN CARTULINA

Dibujo acotado

Modulo en cartulina escala 2:1

COMPOSICIONES DE 2x2 MODULOS:

Variaciones de eje

COMPOSICIONES DE 5x5 MODULOS: Estudiando la posición del módulo y el resultado que genera la incidencia de la luz en el conjunto.

Repetición

Repetición mezclando positivo y negativo A B por filas

Repetición mezclando positivo y negativo alternos

Traslación A B por filas

Eje

Giro de 90º

Giro de 180º

Repetición cambiando el eje

MOLDE DE ESCAYOLA PARA POSITIVAR EN ARCILLA

Plantilla para ajustar el modelado

Modelado en arcilla

Ajuste de las medidas laterales

Encofrado de cartón pluma para sacar el positivo.

Positivado en escayola

Positivo y negativo

Como el objetivo de esta parte del proyecto es sacar un molde en escayola de las piezas modeladas en arcilla, el positivado en escayola que daría al módulo la igualad milimétrica es innecesario. Modelé el positivo en arcilla y con ambos realicé un encofrado dejándole espacio para que al echar la escayola quede un grosor de por lo menos 2cm.

De esta manera obtenemos un molde de escayola para sacar positivos en arcilla por el método del apretón, el grosor de la escayola ayudara a la absorción del agua de la arcilla para que sea más fácil desmoldarlos.

El método del apretón se realiza añadiendo materia poco a poco y apretándola bien para evitar que se formen bolsas de aire o rajas en la arcilla. Enrasando después para que quede lisa la base, y vaciando un poco la parte de atrás para ayudar al secado.

Ayuda un pegote de arcilla para sacar los positivos del molde, ya que se queda pegado y tirando sale mejor.

MOLDE DE SILICONA PARA POSITIVAR EN ESCAYOLA

Plantilla de acetato dentro de un encofrado de cartón pluma de 10 cm. De lado, para mantener la forma se sujeta la plantilla a la base con cinta

La primer capa de escayola se proyecta sobre es acetato para evitar que queden en la superficie ningún tipo de burbuja de aire.

Una vez positivado colocamos la plantilla de nuevo sobre el positivo creamos un encofrado calculando el lado mas alto y el mas bajo para obtener el negativo idéntico. La escayola se echa de la misma manera que para sacar la primera pieza, proyectando la primera capa y echando el resto lentamente, enrasando después lo que será el dorso del modulo.

Teniendo en escayola el positivo y el negativo se prepara la silicona para hacer un molde a la francesa.

La silicona utilizada es SILICAL 140, es una goma silicona líquida tixotrópica, apta para todas la técnicas de estampado en vertical donde se requieran características de donde se requieran características de laborabilidad (largo tiempo de trabajo) y características mecánicas (resistencia al desgarramiento y a la tracción bajo retiro) Silical 140 se aconseja para la realización de moldes en vertical, mediante la aplicación a espátula o pincel de todos los objetos y obras de arte que el restaurador necesite reproducir.

El catalizador es SILICAL 145 (Rapor en peso al 5%), el aspecto de la silicona sin el catalizador es gris líquido viscoso, el aspecto vulcanizado el líquido viscoso azulado, el tiempo de laborabilidad es de aprox. 75 min. A 23º, el tiempo de desmoldeo es 20-24 horas a 23º, la viscosidad de la masa catalizada es de aprox. 35000cP, retiro después de 5 días a 23º: 0,7max(ISO4823), el peso especifico es de 1,23kg/l (ASTMD792), la dureza después de 24h a 23º:21-3 Shore A(ASTM2240-68),la dureza después de 48h a 23º:25-5 Shore A(ASTM2240-68),la resistencia a la tracción es de 27-0,3n/mm2 (ASTM D 412), el alargamiento a rotura es de 300-30% (ASTM D 412),la resistencia al desgarramiento es de 16-2N/mm (ASTM D 624/B) (CATALOGO General CTS)

A la silicona tras recortar los bordes y hacer unas pequeñas llaves, se la hace un encofrado para hacer una madre forma de escayola que dará consistencia a la silicona que es una capa fina solo para coger el detalle. Este tipo de molde es el llamado molde a la francesa.

Con el molde terminado solo queda sacar los positivos que sea necesario vertiendo escayola en el molde, y con cuidado cuando esta fraguada separar la silicona de la madre forma y ya mas fácilmente se desmoldean las piezas.

COMPOSICION DE MÓDULOS DE ARCILLA

COMPOSICIÓN DE MÓDULOS DE ESCAYOLA

OPINIÓN PERSONAL

Este proyecto me ha parecido práctico a la hora de realizar piezas para sacar en serie con diferentes técnicas, ya que yo solo conocía los moldes perdidos y el plastoflex.

El usar la silicona en ese tipo de molde es una buena manera de aprovechar al máximo el recurso, usando menos material caro (silicona) y supliendo el resto con material asequible (escayola) aunque tiene su desventaja en el desmoldeo. El otro tipo de molde de silicona que se ha hecho en clase me parece que es mas práctico y fácil de usar a la hora de sacar piezas en serie pero mas costoso porque lleva mas silicona.

Tuve un pequeño problema al desmoldar la pieza mas fina de las dos que positivo en escayola (se me rompía). La solución fue añadir venda de escayola en el interior de la pieza, es decir: capa de escayola, venda, y capa de escayola, así adquiere la resistencia para salir del molde sin romperse, ocultando la venda en el interior.

Me costó pensar algo que no fuera simétrico, de hecho mi módulo tiene una simetría en su submódulo. En los primeros bocetos en papel me salían supermódulos, y el proceso para sintetizar hasta lo más simple me costó un poco.

El diseño que he escogido es muy orgánico, recuerda a un pez. Al componerlo puede evocar a algunos motivos de mocárabes, mocarnas o lacerías islámicas. También recuerda a Estcher en las siluetas de alguna de sus grecas como la de los murciélagos. Además de siluetas simples como un especie de corazón o una flor dependiendo de la combinación que se haga.

Yo diría que cumple los tres atributos del diseño:

· Unidad: Procuré que tuviera coincidencias al hacer montajes de varios módulos, por eso los laterales están divididos en dos mitades iguales (contando el punto de contacto de las líneas curvas con el lateral). De esta manera las curvas que se crean encajarán en cualquier posición que se coloque el módulo.

· Variedad: La variedad de formas que crea en sus diversas combinaciones tanto solo positivo o negativo, como ambos es bastante rica y aparente.

· Orden: La simetría de su submódulo y la armonía que crean entre si al componerlos, para mi es un orden aceptable.

Estoy contenta con el resultado de escayola, el de arcilla todavía no me convence mucho, tal vez cuando estén cocidas las piezas y les demos un tratamiento de esmaltes o alguno que no conozca, le da un acabado mas resultón, yo habría retocado todas las piezas, para que no tuvieran esa textura y esas rajillas que se crean al unir dos pegotes de arcilla por apretón, cuando hay aire o la arcilla no está bien húmeda. Esa parte del proyecto queda pendiente.

1 Información

Se plantea un proyecto cuyo fin es la talla directa en piedra o madera. El tema es libre condicionado por el estilo de un escultor del sXX Chillida. He buscado entre sus obras alguna figurativa, en la obra “MUTACIO” representa (o me evoca) al hombre en la fragua trabajando. Es una escultura abstracta en acero, de esta realizaré una interpelación personal mediante bocetos bidimensionales para definir la forma con una maqueta mas concreta para usar de modelo a la hora de la talla.

El máximo representante de la escultura informalista en España, es Eduardo Chillida (1924), un artista nacido en San Sebastián, con fama internacional corno Tapies y uno de los primeros conocidos y premiados fuera de España.

Aunque estudio arquitectura, Chillida se dedico a la escultura desde 1947 y sus primeras obras arrancan por un lado de la escultura primitiva – de la Grecia arcaica y los kouroi, corno la serie Torsos, de 1950, y de Henry Moore, al que conoció en sus viajes al extranjero. De la primera extrae la solidez y el aire totémico propios de ella, pero también de la escultura de vanguardia, y del segundo, la idea de monumento sólido. 

Del estilo de Chillida me gustan obras suyas como el peine de los vientos o el elogio del horizonte, me resultan atractivas a la vista (no se si por sus volúmenes o por su ubicación) pero no me llaman a la hora de la interpretación personal. Es un artista que realizó una obra muy compleja, abstracta, constructivista dejando de lado la figuración naturalista. Como mi opinión es que las obras deben transmitir (sentimientos, ideas) y las obras de Chillida no me son fácilmente interpretables es el motivo de que me resulte difícil interpretar su obra. Partiendo de esa base mi proyecto se basa en que esta obra de Chillida “MUTACIO” quiere representar el ancestral oficio de la forja.

El proyecto que quiero desarrollar intenta imitar los volúmenes que Chillida utiliza sobre sus perfiles de acero, todos curvos y orgánicos, añadiendo la representación abstracta de una mujer con la disposición de los brazos como si se preparase con un brazo en alto para macear el cincel que sujeta con la otra mano, esta era la idea inicial aunque en el proceso la maza y el cincel se han sintetizado hasta desaparecer.

Con este proyecto quería llamar un punto de atención sobre el papel de la mujer en la escultura. El resultado es que como Chillida mi obra no se reconoce como figura al menos a primera vista, luego supongo que es un resultado optimo.

2 Comunicación

Descripción técnica del proceso:

1º Preparar el bloque de escayola para tallarlo: Realizar un encofrado tipo caja y preparar la escayola. Para dar sensación de vetas en la estructura prepara la escayola sobre agua coloreada con acrílico disuelto de un par de colores, sobre un base de escayola blanca ya vertida en el encofrado añadir los colores y remover, eso hace que al mineras tallas van apareciendo las vetas.

2º Talla directa: Con gubias y paletillas para escayola desbastar y modelas las formas que ya se han definido en los bocetos.

3º Acabado: Retocar los detalles finales intentando dejar la superficie lo mas lisa posible.

4º Pátina: Dar una capa de barniz cerámico para intentar dar aspecto de piedra pulida.

Presupuesto:

Maqueta

· Escayola 2k 1€

· Acrílicos 1 bote 3€

· Barniz cerámico 4€

· Imprevistos 15€

· Desgaste Herramientas luz 5€

· Horas de trabajo 12h x 6€/h 72€

· Idea original y diseño 40€

· Total 140€